(Esto es un resumen del libro “Historia del cine” de Roman Gubern)
Hollywood estaba asolado por las rivalidades de los Independientes y las grandes compañías era un mundo desquiciado por los sabotajes y asaltos a productoras, hasta con hombres armados y un viejo cañón de la guerra civil.
Adolph Zukor (1873-1976) contribuyó a imponer una disciplina industrial a las jóvenes empresas de Hollywood. Era uno de los Independientes. Instaló en 1903 su primera sala de exhibición en Nueva York.
En 1912 compró los derechos del film d’art francés Elizabeth, reina de Inglaterra que acababa de obtener un éxito sin precedentes en los países europeos. Era, además, la primera película de cuatro rollos que se presentaba en los Estados Unidos. Organizó solemnemente su estreno y fue un éxito.
Tomando como ejemplo el film d’art europeo y, asociado con Frohman, fundó en 1912 la empresa “Actores famosos en obras famosas” y eligió para trabajar con él a los nombres más seguros del cine norteamericano: al director Edwin S. Porter, que había abandonado a Edison, y a la actriz Mary Pickford, contratada por mil dólares a la semana.
Se asoció con varios empresarios creando la Paramount Corporation, que agrupaba a todas las grandes firmas independientes, con unas cinco mil salas, las mejores del país.
Con la Paramount (que en inglés quiere decir “superior” y cuyo eslogan era selected pictures for selected audiences) se cerraba la era de los Nickel-Odeons y se inauguraba la de las grandes salas y grandes circuitos.
Gracias a la Paramount Zukor pudo abordar la realización de un viejo proyecto: el lanzamiento de un gran film (de una hora o más) por semana.
Sobre los pilares del programa semanal, la exclusiva y la contratación en bloque Zukor fundó su imperio.
La contratación en bloque —block-booking, en jerga cinematográfica— era un compromiso del exhibidor de alquilar toda la producción de la firma, en bloque y a ciegas (blind-booking), basándose en el prestigio de las estrellas que Zukor tenía contratadas en exclusiva.
Zukor dividió su producción, además, en tres grupos, A, B y C, según fuera la categoría de los intérpretes y el presupuesto de la cinta.
Esta clasificación es ya un reconocimiento implícito del imperio del star-systemy una prueba evidente de la alta capacidad organizadora de Zukor, que acabará por imponer sus métodos a todos los Independientes, cerrando el ciclo caótico en que las rivalidades comerciales se dirimían a punta de revólver.
A Zukor se le considera el padre de la moderna industria del cine americano, con unas fórmulas comerciales que todavía perduran.
David Wark Griffith esel padre artístico del cine, autor de más de 400 películas.
Intentó ser guionista, pero le contrataron como actor.
En 1908 Griffith debutó como realizador en la Biograph.
Su inquietud y fecundidad le llevan a abordar todos los temas, sin amedrentarse. Los temas son de una variedad asombrosa: adaptación de todo tipo de novelas, Far-West, asuntos históricos o narraciones policíacas.
Con Griffith asistimos a la gestación de una gramática cinematográfica radicalmente nueva, que ya nada tiene que ver con el teatro.
En los Estados Unidos no pesa la herencia de una densa tradición escénica y ello permite el libre nacimiento de un lenguaje cinematográfico puro, sin reminiscencias extrañas.
El talón de Aquiles de la obra de Griffith reside en su ingenua visión del mundo que desemboca casi siempre en fórmulas toscamente melodramáticas.
Pero en el terreno de la técnica narrativa, de la invención visual, Griffith está introduciendo una auténtica revolución expresiva, con los desplazamientos del punto de vista de la cámara en el interior de una misma escena para guiar el ojo y la atención del espectador, con el uso dramático del primer plano, las acciones paralelas y, en suma, los saltos en el espacio y en el tiempo a través del montaje.
Griffith comprendió bien cuál es la potencia expresiva de las imágenes y los resultados que pueden nacer de su libre combinación, que es el montaje.
Contó para sus películas con la valiosísima colaboración del operador Billy Bitzer, pionero en el uso de la luz artificial, que con recursos extraordinariamente rudimentarios obtuvo resultados óptimos.
En los estudios se denominaba al estilo de Bitzer “iluminación a lo Rembrandt”, por su uso del claroscuro y del contraluz.
Fue Bitzer también quien primero emplazó un proyector tras una ventana, para simular el efecto de la luz solar.
Establecer un catálogo con todos los hallazgos de Griffith se haría interminable.
Las aventuras de Dorotea (1908), es su primera cinta. Su asunto, es folletinesco, pero en su narración Griffith utiliza por vez primera el flash-backo cut-back, esto es, una escena que se inserta en la acción principal, mostrando en evocación o recuerdo un acontecimiento pasado.
En Balked at the Altar(1908) comienza a utilizar el plano medio.
The Fatal Hour (1908), utiliza por vez primera la acción paralela al servicio de un “salvamento en el último minuto”.
En Después de muchos años(1908) utiliza un “salto” espacial. Utilizaba también por vez primera en su obra un primer plano de la protagonista con intención dramática.
En El teléfono(1909) llevará la acción paralela a su apogeo, perfeccionando así decisivamente un recurso técnico apuntado por vez primera, como vimos, en Attack on a China Mission Station de James Williamson y utilizado también por Porter.
Griffith potencia la tensión dramática (suspense) prolongando la situación y haciendo alternar los planos de la familia acosada con los del marido corriendo, a intervalos cada vez más cortos.
Supuso el abandono definitivo de la incómoda y teatral linealidad del relato cinematográfico primitivo.
En Edgar Allan Poe(1909) utilizó por vez primera la iluminación dramática y de contrastes.
En El remedio(1909) usó el contraluz y la iluminación lateral
En Pippa Passes(1909) usó el desenfoque como efecto artístico.
En The Politician’s Love Story (1909) combinó por primera vez la luz natural con la artificial.
Cuidaba especialmente la interpretación de sus películas y “descubrió” a numerosas estrellas de primera magnitud del cine mudo americano.
La más importante fue la inmortalizada con el nombre artístico de Mary Pickford que debutó a las órdenes de Griffith en The Violin Maker of Cremona(1909), otras estrellas que descubrió fueron las hermanas Lillian y Dorothy Gish, Mae Marsh y Mack Sennett.
En Ramona(1910) aparece el primer gran plano general de la historia del cine.
En Salvada por telégrafo(1911) comienza a elaborarse el estilo de Griffith, fundado en el desplazamiento de los puntos de vista de la cámara dentro de una misma escena.
El film está dividido en secuencias (y no en escenarios o cuadros), y cada secuencia está dividida en planos de diferente valor, especialmente planos americanos y primeros planos de objetos (insertos).
En La batalla(1911), que no oculta su simpatía por la causa sudista, demuestra ya su pericia en el manejo de grandes masas y escenas de combate.
En The Musketeers of Pig Alley(1912) supo aprovechar las ventajas de la profundidad de foco. Es un drama de bajos fondos que juega sobre la tercera dimensión del espacio al hacer avanzar lentamente a un bandido hacia la cámara, hasta obtener un primer plano de su rostro, mientras sus compinches permanecen nítidos en último término.
El sombrero de Nueva York (1912) una comedia satírica, revelaba un agudo sentido de la observación social, al estilo de Mark Twain.
En La formación de un hombre(1912), su preocupación realista se reflejó en las hierbas secas con que hizo cubrir la desnudez de sus actores.
El éxito de esta ingenua cinta seudocientífica le llevó a rodar al año siguiente un drama de la Edad de Piedra: La vida del hombre primitivo(1913).
Su última obra realizada para la Biograph e inspirada en el ciclo monumental italiano Judit de Betulia(1913-1914), fue la primera película de cuatro rollos rodada en América y, también, su primera superproducción.
En La conciencia vengadora(1914) Griffith recurre a primeros planos repetidos de un lápiz golpeando una mesa y de un pie repicando en el suelo para traducir visualmente el sonido obsesivo de un latido de corazón.
El nacimiento de una nación (1915), fue una superproducción de la independiente Epoch Producing Corporation.
Su guion narraba con acento heroico el nacimiento y actuación de la organización racista Ku-Klux-Klan, al acabar la Guerra de Secesión.
El éxito comercial obtenido estuvo en función de la polémica y del escándalo que suscitó, pues mostraba a los negros como villanos o degenerados (los pocos negros “buenos” eran esclavos bobalicones y estúpidos) y provocó incidentes.
Era el primer gran escándalo de la historia del cine y, por lo mismo, el primer gran éxito de taquilla.
La revista Variety coloca El nacimiento de una nación a la cabeza de los grandes éxitos de taquilla del mercado norteamericano, lo que resulta bien significativo, de otra película racista de parecido corte: Lo que el viento se llevó (1939).
Desde el punto de vista técnico marcó una fecha decisiva en la evolución del arte cinematográfico.
Se hacía progresar la narración gracias a una ágil utilización del montaje.
Los planos generales se combinaban con los planos próximos: tres cuartos, medios y primeros planos, produciendo un choque óptico.
Desplazaba la cámara para efectuar una toma de vistas en movimiento.
El montaje paralelo, recurso narrativo predilecto de Griffith, permite orquestar tres acciones alternadas por el montaje.
Además de fragmentar las escenas en planos de diferente valor, Griffith utilizó para potenciar la selectividad del encuadre los caches, que al ennegrecer determinadas partes del fotograma alteraban su proporción rectangular habitual.
Este recurso gráfico, que Griffith utilizó sistemáticamente, cayó en desuso al llegar el cine sonoro.
En realidad, Griffith llevó a cabo una genial síntesis de procedimientos ya inventados, pero los utilizó sistemáticamente, con un gran sentido de la funcionalidad expresiva y de la economía narrativa.
El defecto arranca ya del guion, del esquematismo psicológico de los personajes, divididos pura y simplemente en “buenos” y “malos”, sin profundidad ni matices.
A la falsedad interpretativa contribuyó también la elección de Griffith de actores blancos, con el rostro embetunado, para encarnar a la mayor parte de los personajes negros.
Griffith realizó ya para la Triangle su segunda gran superproducción, Intolerancia(1916), que pasó a convertirse en la película más cara de toda la historia del cine.
Griffith pensó un amplio fresco destinado a mostrar, a través de varios episodios históricos, las desgracias provocadas por la intolerancia religiosa o social en la historia de la humanidad.
Griffith montó una copia de ocho horas de duración que finalmente redujo a tres horas cuarenta minutos.
Llevó a sus últimas consecuencias su técnica de las acciones paralelas, al desarrollar los cuatro episodios alternados por el montaje, para reforzar su paralelismo simbólico.
Con su aplicación del montaje paralelo a episodios históricos diversos, Intolerancia se convirtió en la primera película acronológica de la historia del cine, ejerciendo una influencia que llegará hasta la técnica novelística, particularmente anglosajona (Dos Passos, Faulkner, Aldous Huxley, Virginia Woolf).
La ubicuidad espacio-temporal creada por el montaje alterno fue percibida por el público como un gigantesco caos, como un rompecabezas histórico sin sentido y fue un tremendo fracaso económico.
Por encima del tono sensiblero, del atroz esquematismo psicológico, del mal gusto y de la tosquedad de los símbolos, Griffith creó con su excepcional sentido cinematográfico una obra de un ritmo prodigioso, una obra que no debía nada a la técnica teatral y que utilizaba sistemáticamente los recursos de la nueva dramaturgia visual: uso dramático del primer plano, movimientos de cámara, acciones paralelas, efectos de montaje, metáforas visuales, caches…
Griffith se asoció con Douglas Fairbanks, Mary Pickford y Charles Chaplin para fundar la productora United Artists (1919).
Ninguna de sus obras posteriores tuvo la resonancia de aquellas que supusieron la invención de la nueva gramática de las imágenes.
El film pacifista y rodado en Europa Corazones del mundo(1918) obtuvo cierto éxito, aunque no tanto como La culpa ajena(1919).
En su puritano y sensiblero Las dos tormentas(1920), se valió del empleo de los elementos de la naturaleza desatados para subrayar la culminación emocional de la acción, según fórmula que por estos años utilizaban también los realizadores nórdicos.
Sus obras quedan reducidas al melodrama puro, sin el soporte ortopédico de la novedad técnica.
Esto resulta evidente en Las dos huérfanas(1922), y en La batalla de los sexos(1929), y más penoso todavía cuando el creador de la sintaxis cinematográfica se copia a sí mismo, tratando inútilmente de rehacer páginas de historia que le hicieron célebre, como ocurre en América(1924) y Abraham Lincoln(1930), su primer film sonoro.
La estructura narrativa de sus historias, siguiendo la influencia ejercida en él por el pionero de la cinematografía Erwin Porter, se desarrolla, invariablemente, según el esquema:
1. presentación dentro del marco moral/social preestablecido.
2. alejamiento del protagonista
3. peligro.
4. salvación, con intervención del inevitable agente externo, y reunión de nuevo en el marco inicial.
| 1 | Las aventuras de Dorotea (1908) (12:00) | Es su primera cinta. Su asunto, es folletinesco, pero en su narración Griffith utiliza por vez primera el flash-backo cut-back, esto es, una escena que se inserta en la acción principal, mostrando el recuerdo de un acontecimiento pasado. |
| 2 | Balked at the Altar (1908) (9:26) | Comienza a utilizar el plano medio. |
| 3 | The Fatal Hour (1908) (14:00) | Utiliza por vez primera la acción paralela al servicio de un “salvamento en el último minuto”. |
| 4 | Después de muchos años (1908) | Utiliza un “salto” espacial. Utilizaba también por vez primera en su obra un primer plano de la protagonista con intención dramática. |
| 5 | El teléfono (1909) (10:20) | Llevará la acción paralela a su apogeo |
| 6 | Edgar Allan Poe (1909). | Utilizó por vez primera la iluminación dramática y de contrastes |
| 7 | El remedio (1909). | El contraluz y la iluminación lateral |
| 8 | Pippa Passes (1909). | El desenfoque como efecto artístico |
| 9 | The Politician’s Love Story (1909). | Combinó por primera vez la luz natural con la artificial |
| 10 | The Violin Maker of Cremona (1909) | Mary Pickford debutó a las órdenes de Griffith |
| 11 | Ramona (1910) | Aparece el primer gran plano general de la historia del cine. |
| 12 | Salvada por telégrafo (1911) | Desplazamiento de los puntos de vista de la cámara dentro de una misma escena. El film está dividido en secuencias, y cada secuencia en planos de diferente valor, especialmente planos americanos y primeros planos de objetos. |
| 13 | La batalla (1911) (19:00) | Demuestra ya su pericia en el manejo de grandes masas y escenas de combate. |
| 14 | The Musketeers of Pig Alley (1912) | Supo aprovechar las ventajas de la profundidad de foco. |
| 15 | La formación de un hombre (1912) | Su preocupación realista se reflejó en las hierbas secas con que hizo cubrir la desnudez de sus actores. |
| 16 | El sombrero de Nueva York (1912) | Comedia satírica, que revelaba un agudo sentido de la observación social, al estilo de Mark Twain. |
| 17 | La vida del hombre primitivo (1913). | Esta ingenua cinta seudocientífica obtuvo un gran éxito. |
| 18 | Judit de Betulia (1913-1914) | Su última obra realizada para la Biograph e inspirada en el ciclo monumental italiano, fue la primera película de cuatro rollos rodada en América y, también, su primera superproducción. |
| 19 | La conciencia vengadora (1914) (78:00) | Recurre a primeros planos repetidos de un lápiz golpeando una mesa y de un pie repicando en el suelo para traducir visualmente el sonido obsesivo de un latido de corazón. |
| 20 | El nacimiento de una nación (1915) (190:00) | Fue una superproducción de la independiente Epoch Producing Corporation. |
| 21 | Intolerancia (1916) (175:00) | Griffith realizó ya para la Triangle su segunda gran superproducción, que pasó a convertirse en la película más cara de toda la historia del cine. |
| 22 | Corazones del mundo (1918) (117:00) | El film pacifista y rodado en Europa obtuvo cierto éxito |
| 23 | La culpa ajena (1919). | Obtuvo un gran éxito |
| 24 | Las dos tormentas (1920) (165:00) | Puritano y sensiblero, se valió del empleo de los elementos de la naturaleza desatados para subrayar la culminación emocional de la acción, según fórmula que por estos años utilizaban también los realizadores nórdicos. |
| 25 | Las dos huérfanas (1922) (150:00) | Sus obras quedan reducidas al melodrama puro, sin el soporte ortopédico de la novedad técnica. |
| 26 | América (1924) (141:00) | Se copia a sí mismo, tratando inútilmente de rehacer páginas de historia que le hicieron célebre |
| 27 | La batalla de los sexos (1928) (88:00) | |
| 28 | Abraham Lincoln (1930) (96:00) | Su primer film sonoro. |
| 29 | La lucha (1930) (87:00) | Trata el tema del alcoholismo. |
Table 4 A
Historia del arte. 